A exposição “Quando fecho os olhos tudo se faz chão”, com curadoria de Felipe Caldas, revela uma produção que tensiona percepções e afetos, conduzindo o espectador por um campo instável, ao mesmo tempo sensível e irônico, onde o chão — literal ou simbólico — nunca é completamente firme.
A exposição de Rodrigo Núñez, carinhosamente conhecido como Rôdi, ocorreu entre os dias 9 de Março e 4 de abril na Galeria Ocre, espaço comercial dedicado à arte contemporânea criado em 2022 e situado, desde 2024, na Av. Polônia 495, em Porto Alegre.
Filho de uma artista hippie dos anos 70, foi no ateliê “Ponto de Arte”, em Porto Alegre, que o gaúcho Rodrigo Núñez (56 anos) fez com que suas particularidades encontrassem o solo mais fértil para sua fantasia. Um espaço onde sua hipersensibilidade sensorial pôde germinar. Desde cedo, suas forças psíquicas — Eros e Tânatos — foram sendo canalizadas. Um lugar perfeito para que suas pulsões de vida e morte fossem materializadas: na arte. Dessa formação sensível nasce a poética que estrutura as obras reunidas na exposição.
Em “Quando fecho os olhos tudo se faz chão”, com a curadoria de Felipe Caldas (Porto Alegre, 1986), somos apresentados ao universo simbólico do artista, no qual um vasto conjunto de obras composto por desenhos, pinturas, colagens, peças cerâmicas e intervenções do artista habita o espaço expositivo, em uma tentativa de evidenciar conexões entre linguagens, conteúdos, formas e o lado pensante do gesto. As obras foram distribuídas pelo espaço expositivo entre as paredes e as bases de diversos tamanhos sem paralelismos entre elas. Essa inclinação fica mais evidenciada no suporte central grande (aproximadamente 6m²) e baixo (aproximadamente 50 cm de altura), que abriga peças âncora da exposição. Já as obras nas paredes foram separadas em grupos, percebendo-se um agrupamento mais formal do que temático, sugerindo séries.
A entrada, marcada por um painel que obriga o acesso lateral, constrói uma experiência inicial de deslocamento e expectativa. Há um jogo interessante entre exterior e interior: de um lado, o título pintado manualmente pelo artista com duas pequenas esculturas fixadas; de outro, o texto curatorial. Ao lado direito dessa falsa parede, um plinto (suporte) alto dava força a uma das esculturas do grupo âncora da exposição. Ainda à esquerda, havia um detalhe em desenho, talvez um pouco discreto para nossa percepção.
Do lado esquerdo de quem entra na galeria se distribui uma linha de casas cujas bases em pequenas estacas de madeira remetem à questão de equilíbrio x desequilíbrio. Visivelmente, a inviabilidade de sustentá-las em uma superfície plana provoca um estranhamento inicial: a noção de solidez de uma casa, de um lar, fica desestabilizada, tensionada por uma condição de quase-impossibilidade. Ao mesmo tempo, essas estacas lembram raízes, remetendo a algo de fixação, estrutura — talvez algo que ficaria abaixo da superfície.
Ao lado direito, algumas esculturas fixadas nas paredes dialogam com o grupo da esquerda e, ao mesmo tempo, com o conjunto central. Em suportes acrílicos dispostos separadamente na parede, as esculturas ficam apoiadas na superfície plana e transparente que, pela iluminação, criam sombras que não só reforçam a poética, como a expande, operando como extensões das próprias peças. Entre elas, alguns desenhos e pinturas foram expostos, se repetindo em uma pequena parede lateral. Estes, por algum motivo, ficaram imprecisos em minha mente.
Talvez justamente por ocuparem um lugar menos autônomo dentro da montagem, sua presença me pareceu funcionar mais como um desdobramento das linguagens que atravessam o processo criativo do artista do que como núcleos independentes da exposição — algo que provavelmente integra a própria lógica curatorial da mostra. Ainda assim, essa dispersão de suportes e imagens contribui para ampliar a sensação de um pensamento em trânsito, no qual desenho, pintura e escultura contaminam-se mutuamente.
Mas, continuando, o grupo escultórico que denominei de âncora apresenta uma legião de personagens masculinos. Rostos brancos como mortos, brancos como fantasmas que, por seus minuciosos detalhes, são trazidos ao nosso mundo — um mundo de humanoides. Pequenos detalhes, como as pinceladas de uma fluída camada de tinta acrílica, conferem carnação; mas a potência se revela sobretudo no forte e, ao mesmo tempo, delicado trabalho de modelado, no qual nos identificamos em nossas mais puras paixões e reflexões: empatia, dúvida, amor, raiva, medo, estranhamento.
As bases parecem lógicas — mais robustas embaixo e semicirculares para sustentar o peso dos bonecos —, mas não são apenas isso. Sugerem transformações das montanhas que já abrigaram casas em suas peças anteriores, mas agora como meias-cabeças à espreita, conjecturando. Não roubam a composição, e mais que isso parecem prontas para levar o artista a um novo lugar.
Catarse? Sim, mas não apenas. O que se percebe é uma elaboração contínua, onde técnica e imaginação não se opõem, mas se alimentam mutuamente. Há uma doçura que recobre o estranho — quase como um verniz de açúcar sobre um território inquietante. Esse é, talvez, o “fantástico mundo de Rôdi”. E ele opera, de fato, na corda bamba. Digo isso porque foi assim, em dois palitos: o encantamento, o aprisionamento, o maravilhamento — especialmente na legião de seres estranhos e, ao mesmo tempo, muito familiares. A arte tem disso: nos leva a lugares desconhecidos cumprindo aqui um de seus papéis mais potentes: produzir deslocamento. E, neste caso, a um mundo real e encantado ao mesmo tempo. Narrativas mediadas entre o mundo interno e externo do artista. Como ele mesmo diz: “um mundo externo onde a realidade precisa da matéria”.
E, para isso, é preciso perícia — e mais que isso, trabalho (e, no caso, muito trabalho) — para alcançar um domínio, talvez intuitivo, mas preciso na forma, cor e textura. É fácil perceber que ele sabe o que faz. Ainda que deixe o acaso contaminar sua poética, ela se mantém firme, com a coragem de quem, mesmo arriscando, confia no porvir (“a corda bamba”). Talvez seja justamente na maneira como lida com o imprevisível que esse domínio se torne mais evidente. Na cerâmica, a “abertura” ao acaso é — ou talvez deva ser — parte constitutiva do processo. Durante a queima, inúmeras variantes físico-químicas entram em ação: retrações, fissuras, alterações de cor, escorrimentos de esmalte, bolhas, mudanças de textura e pequenas deformações que escapam ao controle absoluto do artista. O forno, nesse sentido, nunca é apenas um instrumento técnico, mas um agente ativo da obra. Contudo, no trabalho de Rôdi, esses acontecimentos não aparecem como acidentes gratuitos, mas como elementos assimilados à construção poética das peças. Seu domínio técnico não busca eliminar o acaso, mas antecipar suas possibilidades e operar com elas — acolhendo o inesperado sem perder a consistência formal que sustenta sua linguagem artística.
Desse modo, é clara a junção da fantasia (ferramenta da criação) com a criatividade que se materializa. A genialidade, me parece, caminha por aí: a criação sem matéria é pura fantasia; com matéria, transita no campo das artes.
Agora, como crítica, preciso apontar onde talvez resida uma fragilidade da mostra. Queria questionar brevemente o pensamento expográfico. Peças-chave podem ganhar potência quando acompanhadas de um estudo de escala, espacialidade e de uma sensibilidade para o conceito figura-fundo. Para mim, fica difícil acreditar em uma “expografia espontânea” ou “coletiva”, como opção curatorial, porque nela reside o risco da perda de controle do espaço expositivo enquanto unidade. Um espaço expositivo, quando bem articulado, atua como mediador silencioso — organiza, pausa, respira. Gosto de pensar a exposição como uma partitura: há ritmo, intensidade, intervalos. Sem isso, o conjunto pode perder densidade. São instâncias interligadas que, quando bem construídas, potencializam a exposição.
Bem, já finalizando, deixo aqui meu lugar de fala: sou graduanda em História da Arte, mas também ex-aluna do artista. Escrevo, portanto, atravessada por uma condição dupla — crítica e afetiva —, o que torna evidente o desafio de sustentar a análise diante da proximidade. Ainda assim, é possível afirmar que sua produção ganhou densidade e complexidade ao longo do tempo.
A maturidade do trabalho não apagou seu impulso perguntador, curioso e experimental — algo ainda perceptível na maneira como tensiona formas, materiais e soluções improváveis. Ao contrário, parece ter ampliado sua capacidade de operar poeticamente com essas questões. Em sua poética, o erro e o problema não surgem como interrupções do processo, mas como parte constitutiva dele: combustível para a criação e abertura para o acaso. Isso porque o trabalho frequentemente parte de um projeto tênue, quase embrionário, que vai sendo construído a partir dos obstáculos impostos pela matéria, pela técnica ou pelas próprias limitações do ateliê. Entre soluções intuitivas e decisões lógicas, a obra cresce negociando constantemente com problemas concretos — às vezes elementares —, como equilíbrio, sustentação e gravidade.
O artista, sem dúvida, carrega histórias. Carrega uma série de artistas que fizeram parte de sua trajetória e formação. Carrega uma vida vivida. O tempo tem sido generoso com ele: permitiu que, na maturidade, incorporasse — a partir da admiração — seus mestres ao seu trabalho.
Mãos calejadas, mas espírito adolescente. Transgressor o suficiente para aceitar o novo, para sustentar a corda bamba da vida — que não nos deixa olhar para trás, que nos obriga a seguir, por mais arriscado que seja.
Serviço
“Quando fecho os olhos tudo se faz chão”
Galeria Ocre
Porto Alegre, 9 de Março e 4 de abril