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Encontros e Desencontros de Bar em Bar

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Z: Zonas, zumbidos e um Zzzzilhão de coisas #2

Por Bruna Bösing Minho, Ignácio Cordeiro, João Vítor Debiasi e Mariana Reyes 

O nosso relato será organizado por cores, para que o leitor identifique facilmente quem está falando. As experiências da Bruna aparecerão em rosa, as do Ignácio em verde, as do João Vítor em azul e as da Mariana em bordô. Optamos por essa paleta por preservar a legibilidade e, ao mesmo tempo, evidenciar quando nossos relatos se encontram, se afastam ou até mesmo se contradizem.

O Bar em Bar é aquele tipo de evento que, mesmo quando não é bom, continua sendo bom pela simbologia. Em um primeiro momento, o que chamou atenção foi a empolgação coletiva que se formou quando o retorno de um dos rolês mais adorados pelos universitários de Porto Alegre foi anunciado. Um porto-alegrense pode até torcer o nariz para o Bar em Bar, mas vai defender sua existência como quem defende um patrimônio emocional. Parte dessa excitação veio do hiato imposto pela prefeitura, uma prefeitura, digamos, nada simpática para qualquer pessoa munida de bom senso.

Eu, no entanto, não estava tão animada para comparecer, mas esse era especial: marcava não somente o renascimento da festa como também a vitória dos alunos em exercer o seu direito de ocupar a cidade. A empolgação inicial começou a evaporar conforme o evento se aproximava. E isso parecia geral. Todo mundo com quem eu falava ao longo da semana dizia que iria, mas sempre num tom desanimado, quase protocolar.

Essa vibe de “vou porque tem que ir” me chamou atenção. A semi-resposta que consegui elaborar é que essa sensação nasceu do próprio contexto e das mudanças impostas para que o evento acontecesse.

Os boatos anunciavam um percurso controlado, delimitado pela Empresa Pública de Transporte e Circulação (EPTC). Esse suposto controle chegou a despertar um sentimento de que o propósito de invasão e ocupação da rua seria invalidado. Como propõe Camila Proto (2019, P.109), em seu ensaio Territórios resistentes: Arte, som e sociedade – “Na pós-modernidade, o espaço, que antes era delimitado por sua função, tornou-se lugar múltiplo, que independe de qualquer finalidade ou codificação social prévia. É dizer, também, que em um mundo globalizado e pós-industrial, todos os lugares públicos acabaram, consequentemente, tornando-se lugares de consumo e, logo, lugares privados”. Isso explica alguns movimentos censuradores da vida boêmia na cidade, e consequentemente, desperta a vontade dos jovens de apoiar esse movimento de contracultura que o Bar Em Bar representa nesta edição. E foi assim que, às vésperas do rolê, o anúncio de que a Praça da Matriz estaria fora do percurso contribuiu para o receio sentido por amigos próximos. Foi dito, em uma publicação no Instagram, no perfil do evento, que estava proibida a aglomeração de pessoas na região e foi destacado o alerta de que não seria permitido escalar o monumento central da Praça. No post em questão, o Diretório Acadêmico da Faculdade de Arquitetura (DAFA) explica que incluir o espaço na rota reforçava ideias que não condizem com a ocupação e ressignificação da cidade e de seus espaços de forma “saudável e responsável”.

A retirada da parada na Praça da Matriz foi uma reclamação unânime. A Matriz sempre foi o ponto alto, a imagem mais representativa, a coroação do caos bonito que o evento traz. Ela nunca foi ponto final oficial, mas era tão querida que muitos participantes simplesmente abandonavam o estandarte e encerravam por lá.

O Bar em Bar estava virando um evento “liberado” pela prefeitura. Parecia que aquilo que antes era puro fluxo — um rizoma se espalhando pela cidade — estava virando uma rota institucionalizada. Um território capturado. A cidade, que deveria ser vivida como devir e não como mapa pronto, estava tentando organizar o imprevisível. E, no semestre, discutimos o quanto esse evento é profundamente político. Ocupar as ruas do Centro Histórico com milhares de jovens é um ato político em si, mesmo que a pessoa não vá com essa intenção. A ocupação acontece porque vivemos numa cidade que nos tira das ruas — seja pela insegurança, seja pela gentrificação. Um Bar em Bar liberado pela prefeitura deixa de ser ocupação. E isso parece ter afetado até quem nunca pensou politicamente sobre ele.

O caráter itinerante do evento, movendo uma grande massa de pessoas que procuram habitar a cidade, é uma manifestação exemplar daquilo que apontam os autores de Inimigos do fim: apontamentos sobre o circuito de “afters” no Recife, no que diz respeito ao ambiente comunicacional, à corporeidade, às ruas e aos entraves. O artigo trabalha os conceitos de cidades musicais: a articulação entre música e cidade, materializada em percursos, pressupõe corporeidades que surgem dos acoplamentos entre corpos humanos e não humanos, trânsitos, lugares, dispositivos técnicos e possibilidades que vivências musicais associadas ao imaginário de cidade possibilitam para os corpos que habitam o universo dos trajetos das cidades ditas musicais. Como bem sabemos, há todo um imaginário audiovisual ligado a corpos e ambientações que tocam, dançam e encenam diferentes categorizações, gêneros musicais e as cidades dentro da cidade.

Eu nunca tinha ido. Quer dizer, fui uma única vez, no ponto final do trajeto, na Praça da Matriz. Desta vez, porém, comecei do início. Cheguei por volta das 19h30 em frente à Faculdade de Arquitetura, no Campus da UFRGS. A cena já era de movimento. Grupos se formando, conversas cruzadas, latas abrindo, aquela energia de começo de noite. Encontrei a minha amiga, Gabriela, e ficamos bebendo e colocando a vida em dia. Só meia hora depois lembrei de ativar minha localização no Strava, gesto que já denunciava o desejo do nosso grupo de registrar aquela experiência de viver a cidade a pé, no fluxo.

A Gab contou que já tinha ido a três edições, embora sem muito entusiasmo pelas experiências anteriores. Eu, estreante, ouvia tudo com curiosidade. Logo ela reencontrou alguns amigos, e nos juntamos a eles. Foi ali que percebi algo que marcaria minha noite: naquele evento, especificamente, as pessoas parecem energeticamente dispostas a furar suas bolhas. Há uma abertura quase imediata para conversar, rir, seguir junto, como se, por algumas horas, a sociabilidade urbana ganhasse outra lógica.

A noite começou com Jazz no espaço onde trabalho. A saxofonista alemã Nicole Johänntgen tocou um jazz contemporâneo misturado com afrobeat, música latina e afro-cubana em um show complexo e coeso ao mesmo tempo, sons muito diferentes daquilo que eu ouviria mais tarde naquela noite. Foi por causa desta atividade que tive que trabalhar até as 20h30, o que atrasou a minha chegada ao Bar em Bar. Quinta-feira é um desafio para quem trabalha. Só chega no horário quem vai direto do serviço. 

Eu, como sempre, cheguei atrasado. Saí de casa às 20h20. Fui a pé, como costumo fazer, seguindo a Protásio e a Osvaldo. Dessa vez não estava sozinho. Meu grande amigo Rodrigo, que recentemente se mudou para minha rua e virou praticamente vizinho, foi junto. Caminhamos tomando uma ceva e batendo papo. A avenida estava meio vazia e tudo ressoava — os carros, os ônibus, até os passos. A academia do lado de casa exibia sua população de infelizes, foi o que pensei na hora. 

Quanto mais nos aproximávamos do Campus do Centro da UFRGS, mais gente aparecia. Quem estivesse na rua naquele horário provavelmente tinha o mesmo destino. Com o passo apertado alcançamos um grupo de amigos que encontramos por acaso. Antes mesmo de chegar no evento já tínhamos nosso primeiro encontro da noite. Quando finalmente chegamos, quase 21h, descobrimos que o estandarte ainda mal tinha saído, mesmo com a previsão das 20h. Tinha gente saindo de bueiro. Caixas de som por todos os lados, ambulantes, churrasquinho, motoristas buzinando estressados, uma onda de conversas que se misturava e virava apenas barulho. Parecia que tudo fazia parte de um mesmo som gigante. A largada finalmente foi dada. Saímos do prédio da faculdade de Arquitetura da UFRGS e o Bar em Bar oficialmente estava de volta.

Por volta das 20h30 começamos a caminhada até o segundo ponto, no Boulevard da Duque. Pelo caminho, cruzamos ainda mais conhecidos, e acabamos consolidando um grupinho. A verdade é que partimos aceitando um risco, se terminássemos a noite sem ninguém se perder, seria pura sorte.

No trajeto, uma cena se repetia e me chamou atenção. As pessoas se cumprimentavam, desejavam “bom rolê” e sempre finalizavam com um “a gente se encontra durante a noite”. Era um pacto tácito. Uma confiança no acaso.

Quando nos aproximamos da Faculdade de Direito da UFRGS, o “modo sobrevivência” foi acionado. Era gente demais e a cada passo parecia mais difícil manter o grupo unido. O início sempre é um aperto. Todo mundo caminhando como um amontoado de pinguins tentando descobrir onde dá para passar. Em certo momento, olhei para trás e não reconheci mais ninguém. Senti a ansiedade subir, aquela sensação breve e aguda de estar perdida no meio de uma multidão. E agora? Por sorte, cerca de dez minutos depois, eles me encontraram. Ser alta, nessas horas, vira ponto de referência involuntário.

Os encontros começam cedo, mas são tantos que se dissolvem rápido. Os desencontros também chegam cedo. No meio do caminho, encontrei minha melhor amiga da faculdade, a Giovana. Nós havíamos combinado de chegar juntas ao início do trajeto, mas no momento combinado ela me respondeu que estava lavando o box e ainda ia tomar banho. Aquilo me fez pensar no pré-rolê da vida adulta. Moramos sozinhas, temos outras rotinas, outros tempos. Não somos mais tão jovens.

Subimos a Duque e ali as coisas engrenam de verdade. O caos reinava, mas de um jeito curioso. Um caos que não incomodava tanto. Carros presos, motoristas perdidos, e frequentadores tentando, com boa vontade, indicar algum caminho possível. Na calçada, uma fileira de patinetes. Um deles jogado no chão, obrigando as pessoas a pular por cima. Era visível a irritação, tropeços e quase quedas. Até que uma “boa alma” interrompeu o fluxo para recolocá-lo no lugar. Esse gesto simples me fez pensar no quanto esses patinetes, símbolo de mobilidade urbana “futurista” do governo Melo, seguem representando riscos e atritos, especialmente quando somos pedestres em massa.

Outro aspecto que me surpreendeu foi a relação dos moradores com o evento. Os curiosos aparecem nas sacadas, observando a multidão como papas abençoando fiéis. Os cachorros ficam hipnotizados nas janelas, e já que não adianta reclamar do barulho, parece que resolvem aproveitar o espetáculo. Lembro de um cachorro imóvel na janela, acompanhando a multidão como quem assiste a um desfile. Em outra sacada, um casal de idosos, sorridente, virou atração quando a multidão começou a gritar “beija, beija”. Eles se beijaram e a rua inteira comemorou. Por alguns instantes, parecia réveillon, uma celebração coletiva, espontânea, de estar vivo e partilhar a cidade.

Foi nesse clima que me senti, pela primeira vez, verdadeiramente pertencente. Brinquei até que, finalmente, me senti porto-alegrense, justo eu, que sou de Uruguaiana, na fronteira oeste do Rio Grande do Sul. Algo na mistura entre o caos, o encontro e a cidade em festa me deu essa sensação de que, naquela noite, eu habitava Porto Alegre de um jeito novo. E Porto Alegre, de algum modo, também me habitava.

Naquela noite, também tinha um recital de orquestra para comparecer com minhas amigas, o qual tínhamos comprado ingressos fazia algum tempo, muito antes do anúncio da data do Bar Em Bar, e por isso não podia desmarcar. Passado estas divergências de horário e compromissos, finalmente chamo meu Uber para o rolê. 

Primeiro passo: entrar no Instagram do DAFA para localizar o ponto da rota que estaria a multidão. Localizamos eles na rua Duque de Caxias, por volta das 22h, e o endereço referência colocado no aplicativo foi o colégio Bom Jesus Sevigne. O caminho até lá foi tranquilo, mas não esperávamos ter que descer 2 quadras antes do destino. As ruas estavam lotadas de jovens e carro nenhum estava conseguindo passar com facilidade ou agilidade, por isso a solução foi caminhar até a Duque. Durante a caminhada, já conseguimos notar os rastros deixados por uma festa característica de rua: algumas garrafas quebradas, pessoas indo comprar bebidas em mercados próximos, gritos de gente tentando se comunicar com seus amigos no meio da multidão, coisas normais de todos os Bar Em Bar que já presenciei. Quando finalmente chegamos onde estão a maioria das pessoas, noto que existe um membro dos organizadores do rolê com um megafone nas mãos, pedindo para as pessoas abrirem espaço nas ruas para que os carros pudessem passar. Penso na hora que esta é uma estratégia de organização que não era praticada nas edições anteriores, e algo que facilitou a mobilidade urbana naquela noite de festa. 

É nessa parte que as ruas paralelas se transformam em mictórios. Não há container, canteiro ou fachada que escape do “pipi amigo”, como minha mãe dizia quando eu era criança. E é sempre uma experiência curiosamente comunitária, sem julgamentos. A gente se ajuda, indica bons lugares, faz rodinha pras gurias terem seu alívio com um mínimo de dignidade improvisada. 

Por algum motivo, esse trecho da Duque parece ser o grande vórtice de encontros e desencontros. Todo tipo de conhecido aparece. Ex-colegas de colégio, gente da faculdade, ex e futuras namoradas. O Bar em Bar tem essa energia de abraços e sorrisos espontâneos acompanhados de um “quanto tempo”. É bonito. Nessas pequenas cenas dá pra sentir como o evento proporciona essas microafetividades espalhadas pelo caminho. Como se, por algumas horas, surgisse outra cidade por cima da Porto Alegre de sempre. Uma cidade que só existe nessa noite.

Mais uns passos a frente, paramos para comprar bebida com um vendedor ambulante, e é nessa hora que um coro altíssimo de pessoas cantando “Vamos Para Gaiola”, do funkeiro Kevin O Chris, começa a repercutir pela rua inteira. Paro para ouvir, e a sensação é energizante, sinto a frequência em que todas aquelas pessoas estão vibrando, e é pela música que se conectam. O público parece ser bem maior em número desta vez, o que aumenta o tremor dos cantos e dos gritos de festejo durante a caminhada. Não demora muito para encontrarmos as primeiras pessoas conhecidas. Um grupo de meninas da faculdade de psicologia da UFCSPA, amigas de amigas. Logo mais adiante, vejo alguns colegas de curso, outro grupo de amigos, além de pessoas que não gostaria de ter esbarrado.

O trajeto oficial seguia direto para a Praça dos Açorianos. Quase ninguém acreditava que as pessoas realmente abririam mão de ir à Praça da Matriz. O fluxo até a praça é natural, pois o corpo dos frequentadores assíduos do Bar Em Bar já caminha sozinho pela rota dos bares, e a parada no monumento da Matriz era obrigatória, mas esse ano foi diferente. A curiosidade nos fez ir até lá, eu, Rodrigo e nossa amiga Carolina. Para nossa surpresa, a praça estava praticamente vazia. Meia dúzia de gatos pingados e policiamento. Uma visão estranha para um lugar que sempre foi pulsante no evento. Ali fui percebendo que o método cartográfico é isso mesmo: seguir pistas, mesmo quando elas não dão em nada. Ou melhor, dão em algo, nesse caso uma sensação de ausência. A Matriz vazia também era um dado. Um silêncio no meio do barulho todo.

A cartografia implica que o pesquisador adote uma postura de explorador, de descobridor, observando os caminhos desordenados dos processos e mantendo uma atenção sensível para a detecção de signos e forças circulantes. A pista metodológica é um guia no percurso da pesquisa, permitindo que o pesquisador cultive a atenção concentrada e aberta à experiência de problematização. Como apontado pela pesquisadora Nísia Martins do Rosário, a cartografia lida com a multiplicidade, transversalidade, processo e rizoma e não se opera sobre modelos prévios.

Diante da situação, resolvemos apenas regar as plantas e voltar para a rota. Quando chegamos próximo à Igreja, demos de cara com a Guarda Municipal, e pegamos uma rua alternativa para voltar a rota estabelecida pelo DAFA. Nesse caminho, vejo um grupo de meninas que encontram outra menina conhecida, “lembram de mim?” uma delas pergunta, e cenas como essas se repetem ao longo da noite. Os encontros, reencontros e desencontros são a marca registrada dessa reunião de universitários, que se aglomeram no centro da cidade para beber, se divertir e tomar posse das ruas por algumas horas. 

No fim, o “grupão” em que estávamos acabou naturalmente se reduzindo a um trio: eu, a Gab e a Gi. Seguimos juntas até o final. Depois da segunda parada, rompemos com o roteiro oficial, nos desprendemos do restante da galera e fomos parar no Brechó do Futebol. Eu e a Gi somos amigas dos atendentes, então aproveitamos para colocar o papo em dia e, claro, usar o banheiro, um privilégio raríssimo em noites assim.

Na sequência, retomamos a caminhada e cruzamos com um casal vendendo Melz, o famoso mel com cachaça. A Gab me perguntou se eu já tinha provado; respondi que não. Ela fez questão absoluta de comprar um para mim, e eu adorei. Mais uma primeira vez registrada naquela noite cheia de estreias. Seguimos nós três pelas ruas, conversando sobre tudo: ficantes e ex-ficantes, dilemas familiares, histórias de vida. Era como se o Bar em Bar nos oferecesse não apenas deslocamentos, mas uma espécie de suspensão do cotidiano, um espaço para que certas conversas acontecessem.

Em meio ao trajeto, encontramos um dos organizadores, megafone em mãos, orientando a multidão a seguir para o último ponto, a Ponte de Pedra. 

A caminho da ponte, a Gab resolveu comprar uma ceva em um bar que nem fazia parte da rota oficial. Ficou um bom tempo conversando com o atendente, como se aquele encontro improvisado fosse parte da própria noite. Ali me dei conta de que o Bar em Bar não se limita à linha que liga um ponto ao outro. Ele vaza, transborda. O evento ativa a cidade inteira, seus bares, suas esquinas, seus trabalhadores e, de algum modo, faz com que tudo isso passe a compor a experiência. A rota é só um pretexto, o essencial acontece no meio.

Deleuze e Guattari (1995, Vol. 1) afirmam que o rizoma “não começa nem conclui, ele se encontra sempre no meio, entre as coisas, inter-ser, intermezzo”. O rizoma é composto por linhas de segmentaridade, estratos e territorialidades, mas também por linhas de fuga e movimentos de desterritorialização, fazendo dele um mapa móvel que se constitui em suas múltiplas conexões. O evento, ao vazar e transbordar, exemplifica perfeitamente essa dinâmica do rizoma.

Chegamos na Praça dos Açorianos perto da meia-noite. O lugar histórico e lindíssimo, estava tomado de gente em cima e ao redor da ponte de pedra. Música para todos os lados, uma multidão vibrante. Penso quanto esse lugar é mal aproveitado. 

A noite foi marcada por vários públicos diferentes, com caixas de som tocando de funk à Chali XCX. O que chamou a atenção nesta edição foi a presença de um DJ com uma CDJ e caixas grandes de som esperando a multidão chegar na ponte de pedra. E todos chegaram, curtiram a música, dançaram. Quando a rota finalmente teve seu destino alcançado, olhei em volta e vi pessoas em cima das paradas de ônibus, ocupando.

O som se impunha o tempo inteiro. Vinha das conversas entrelaçadas, das risadas, das JBLs disputando espaço com as vozes, dos ambulantes anunciando seus produtos, da multidão que aplaudia, cantava, vibrava. E também das buzinas dos carros, presos no trânsito humano que tomava as ruas. O cheiro, igualmente presente, compunha sua própria camada, com churrasquinho, cachorro-quente, cerveja derramada, perfumes dos mais variados tipos das mais variadas pessoas, lixo acumulado, xixi nos cantos. Caminhar por Porto Alegre naquela noite era atravessar uma explosão sensorial.

O áudio a seguir reúne trechos que sintetizam a vivência do grupo no Bar em Bar, evidenciando as diferentes experiências sonoras sobre o percurso. Dê o play!

 

Esses estímulos agradáveis e incômodos moldam nossas trajetórias diárias. Da casa à faculdade, da faculdade ao trabalho, do trabalho ao retorno para casa, ou, naquela noite, da Arquitetura até a Ponte de Pedra. No fundo, estamos sempre expostos a tudo. Aos sons, aos cheiros, aos espaços e às pessoas que compõem essa cidade que transborda para muito além do que conseguimos processar. Mas ali, no Bar em Bar, essa exposição deixava de ser apenas pano de fundo e se tornava parte essencial da experiência de ocupar a rua. 

Algumas cervejas e muita caminhada depois, era hora de ir ao banheiro, algo que, para mulheres, significa ficar horas em uma fila. Fomos em dupla e deixamos o resto do grupo curtindo a música na praça, e 30 minutos depois nos reencontramos para ir embora, pois a noite já tinha sido cansativa e a ida ao banheiro sempre é desestimulante. Fomos embora por volta das 1h30, e fui refletindo na volta sobre o que tinha experienciado. No fim, os encontros e desencontros são algo não só vividos no Bar Em Bar , mas ao longo de toda vida acadêmica. Não esbarrei em tantos amigos como nas edições anteriores, pois hoje alguns estão no mestrado, outros foram estudar fora, outros mudaram de curso e a comunicação ficou falha. Isso evidencia o fim da trilha da graduação, que termina com um indivíduo modificado pelo espaço da cidade e por seus processos. Como contemplaria Foucault (2009, p.414),“Dito de outra forma, não vivemos em uma espécie de vazio, no interior do qual se poderiam situar os indivíduos e as coisas. Não vivemos no interior de um vazio que se encheria de cores com diferentes reflexos, vivemos no interior de um conjunto de relações que de nem posicionamentos irredutíveis uns aos outros e absolutamente impossíveis de ser sobrepostos”.

Na Açorianos encontrei uma gurizada, inclusive minha ex que não era exatamente ex e agora virou ex de fato. Com ela e vários amigos segui a noite até às duas da manhã. Já não conseguimos seguir até depois das 4h como antigamente.

Utilizamos o Strava para demarcar os passos e o trajeto de cada um do grupo. Ao final do rolê, o meu marcou 21,25 km percorridos em 3h57min, o da Mari 11,66 km em 2h17min e o do Ignácio 22,98 km em 2h25min . O aplicativo não se deu bem com a Bruna e o trajeto dela se perdeu, faz parte do processo. O registro, no fim, virou uma espécie de representação gráfica rizomática — aquela maluquice de linhas cruzando por todos os lados, sem hierarquia, sem centro, só um emaranhado que fazia sentido porque era exatamente assim que a noite tinha sido vivida. Como se o mapa tivesse ficado bêbado também.

Clique aqui para conferir o mapa em detalhes.

Uma verdadeira cartografia de encontros e desencontros, de seguir a rota e de se permitir dispersar, de sons sobrepostos em camadas, porque silêncio, de fato, não houve. Nem mesmo na volta para casa. No Uber, o motorista perguntou o que estava acontecendo na cidade, e acabamos conversando sobre o evento e sobre a energia que se espalhava pelas ruas.

O Bar em Bar, naquela noite, ultrapassou a simples lógica do deslocamento. Foi como se acordasse Porto Alegre, devolvendo-lhe um ritmo que há tempos parecia suspenso. A cidade pulsava e nós pulsávamos com ela. Essa pulsação e o ritmo são elementos que, segundo Deleuze e Guattari, são essenciais na constituição de um território existencial. A cartografia, ao buscar a identificação das linhas de fuga, acompanha os fluxos e movimentos de desterritorialização que definem esses mapas moventes.

Confesso que não senti o impacto de alguma restrição imposta pela EPTC, nem percebi se houve uma intervenção de fato. Ainda assim, a ronda de viaturas da Brigada Militar foi expressiva, mas isso é costume por aqui, principalmente em momentos festivos de grande fluxo de pessoas pelas ruas.

O rolê, no fim das contas, foi muito afudê, mesmo com todas as mudanças. E foi interessante vivenciar tudo com os olhos e ouvidos mais atentos, como quem oficialmente está estudando a própria cidade enquanto bebe e abraça conhecidos. 

Faz algum tempo que a juventude da capital busca ambientes para viver sua própria cultura e habitar a cidade com liberdade e segurança. Em um contexto de cerceamento e proibições, o corpo procura por espaços de lazer onde a aglomeração conduzida pela música seja permitida, para que seja possível o movimento dançante que tire dos músculos o cansaço da rotina, dando espaço a outro cansaço, um que deixa saudade e a gente procura de novo pelos bares, shows, feiras ou mesmo ao redor de uma caixa de som pirata por alguma esquina em mais um after.

Referências:

PROTO, Camila. Territórios resistentes: arte, som e sociedade. In: CASTANHEIRA, J. C. S; et al. (Orgs.). Poderes do som: políticas, escutas e identidades. Florianópolis: Insular, 2019. p. 107-126.

FOUCAULT, M. Outros espaços. In: MOTTA, M. B. (Org.) Estética: literatura e pintura, música e cinema/Michel Foucault. Rio de Janeiro: Forense, 2009.

MONTEIRO, Gabriel et al. Inimigos do fim: apontamentos sobre o circuito de “afters” no Recife. 33º Encontro Anual da Compós. Anais. UFF. Niterói – RJ. 23 a 26 de julho de 2024.

Texto realizado como atividade final para a disciplina Seminário de Cultura e Comunicação, Ministrada pelo Prof. Marcelo Bergamin Conter e pelo mestrando Gabriel Gil. Publicada na edição #2 da revista digital Z: Zonas Zumbidos e um Zzzzilhão de coisas. Faculdade de Biblioteconomia e Comunicação (Fabico), UFRGS, dezembro de 2025.

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Z: Zonas, Zumbidos e um Zzzzilhão de Coisas

Por Arthur Mezzacasa, Augusto Schu e Manu Couto

Foto 1: Janela do Trensurb. No fundo, uma rua em movimento.

(Áudio criado a partir de viagens dos integrantes no Trensurb entre 25 de outubro e 09 de novembro de 2025. Recomendamos que escutem o áudio enquanto leem o texto, utilizando de fones de ouvido para melhor experiência com os efeitos que buscamos criar na equalização do som.)

Existe uma convenção de regras em torno do Trensurb, um ethos. Boa parte delas é aprendida por osmose. Perguntar “o que fazer” é uma quebra dessa estrutura, um conjunto de normas não-ditas que criam um curioso uníssono. O ethos é um conjunto de crenças e princípios que guiam as ações de alguém ou um grupo. Não se fala sobre como agir no trem, é como se você tivesse que nascer sabendo. Talvez por isso seja tão potente. É um cenário onde todas as relações estão tão bem estabelecidas que o verbo não é mais necessário. 

Nenhum de nós frequenta o Trensurb. Pode ser essa justamente a razão pela qual a viagem possa ser vista como um passeio, com um certo deslumbramento pelo o que se passa dentro dos vagões. Para quem mora na região metropolitana, o Trensurb pode ser, além de cotidiano, um fardo – assim como o ônibus que pegamos todo dia pra ir e voltar do centro, que também demora uma hora até chegar em casa. Então, para quem não tem costume de frequentar as estações ou trafegar pela linha, a presença pedagógica de outras pessoas acaba sendo um salvamento. 

Foto 02: Foto tirada logo após passageiros saírem do trem na Estação Canoas durante horário de pico.

Em nossa viagem, nos apoiamos no conhecimento fragmentado de cada um sobre o que é o ethos Trensurb. Afinal, não queríamos parecer estrangeiros – por mais que fossemos – para poder circular de forma não disruptiva, sem dar a pinta de peixe fora d’água. Chegamos no trem com um objetivo principal: entreouvir conversas de passageiros, para enfim criar uma colagem cacofônica que não separa indivíduo do coletivo. Parecia uma boa ideia, até nos depararmos com a realidade. Não era possível escutar ninguém, não havia como deixar de ouvir as máquinas falarem. Passamos o tempo nessa espécie de vale da estranheza sônico, em que a imposição sonora do trem exercia um domínio em nossos corpos, a voz dos outros roubada por essa entidade maquínica. 

Curioso que até em alguns momentos conversar parecia já ser uma quebra do uníssono, mesmo que o silêncio de vozes não configurasse silêncio algum. A máquina, mais uma vez com seu caráter impositivo, submetia a nós todos ao seu som estridente e ao seu “plec-plec” de aço. O fascínio pelo o que se passa dentro dos vagões não foi suficiente para evitar a dor de cabeça que o barulho constante do trem causava. 

Sons como esse, mesmo que não decodificáveis por nós, geram uma paisagem sonora uníssona dos trens. A sonoridade aponta para  o  som  como elemento  fundamental – e  não  só  como  veículo – para  o  funcionamento  de  sistemas culturais e sociais ao ligar práticas de escuta e de soar (Marra, Vale, 2020). Ou seja, as sonoridades compõem parte da atmosfera que a modernidade busca construir. 

TRILHAR CAMINHOS PELO TRENSURB

Foto 03: Foto tirada durante a chegada do trem na Estação Canoas.

O Trensurb é elemento da paisagem física e sonora da Região Metropolitana de Porto Alegre desde 1985. Foi criado para conectar alguns dos municípios mais populosos do Rio Grande do Sul de forma eficiente e desafogar o trânsito de veículos rodoviários, que já naquele tempo configurava um problema para as grandes cidades do Brasil. Em 2025, o sistema conta com 43 quilômetros de extensão e 22 estações em linha única, ligando cinco cidades: Novo Hamburgo, São Leopoldo, Sapucaia do Sul, Esteio, Canoas e Porto Alegre. 

Existem dois tipos de trem que viajam pelos trilhos do Trensurb: o trem velho, fabricado no Japão em 1984, com 25 veículos em ativa, e o trem novo, fabricado no Brasil em 2014, com 15 veículos em ativa. Saber em qual você vai entrar é uma roleta russa. Como é de se esperar, as sonoridades presentes em cada modelo são radicalmente diferentes. 

É até mesmo engraçado ir no trem velho – é como entrar em uma máquina do tempo, onde nem tudo tinha uma cor branca chapada e a arquitetura dos lugares ainda podia sonhar em se diferenciar uma das outras. Existe também um quê de falha mecânica iminente. A cada curva, nossos ouvidos são agraciados com um som agudo estridente, que toda vez causa o susto de imaginar que o trem vai se desintegrar. O vento que entra pelas pequenas frestas das janelas, os carros que correm nas avenidas ou rodovias adjacentes, acompanhados do som metálico dos trilhos e das articulações entre os vagões, formam a experiência do Trensurb.

No trem antigo, a parada às vezes é anunciada pelo microfone do motorista. Já em outras, é uma gravação. As duas são, contudo, sempre inaudíveis. No trem novo, no entanto, não existe contato algum com o motorista, sendo uma voz feminina, dessa vez límpida e robótica, que informa a chegada nas estações. Também se produz um outro som, dessa vez grave, que acompanha todo o trajeto, como um companheiro de viagem. De certa forma, essa imagem consegue acalmar o coração de uma primeira vez no Trensurb, como foi o caso da maioria do grupo. 

Talvez esses sons nem apareçam mais para quem já está acostumado. É aí que entra a peculiaridade desta movimentação. Entrar no Trensurb enquanto estranho, aquele que não se encontra dentro da mecânica cotidiana do fluxo de transporte das pessoas que tem sua vida atravessada pela capital gaúcha e sua região metropolitana, provoca também uma outra relação com esse espaço urbano, transformando-o em uma paisagem sem limites. 

Foto 04: Foto tirada no interior da Estação Novo Hamburgo.

Nos inserimos como andarilhos de Michel de Certeau, “interagindo na proximidade, buscando fazer emergir certas singularidades, para dar à cidade e ao Trensurb uma visão a partir do chão. Emprestamos nosso anonimato, nosso lado transitório, ou seja, trabalhamos no nível de mobilidade que somos proporcionados” (Fraser, 2010, p. 229). Nos apropriamos do dia-a-dia comum de alguém, tornando esse deslocamento, para nós, uma coisa vivida. 

DESLOCAR PARA OUTRO LUGAR

Certeau, assim como os desdobramentos de seu trabalho por Marc Augé, partem da geografia humanista e da antropologia para definir o que é lugar. Esse espaço vivido, do cotidiano, e que carrega consigo a afetividade e a memória, quando mesclado com o conceito de espaço antropológico, gera fortes vínculos sociais e culturais, de profunda relação do indivíduo com o mundo que o cerca; apresentando características identitárias, relacionais e históricas. O espaço também supõe por si mesmo um lugar animado por um deslocamento (Fraser, 2010, p. 229), um lugar praticado. Sem essa mobilidade nos restariam apenas lugares fixos e imutáveis. O andarilho transforma a rua, lugar para o urbanismo, em espaço.

Foto 05: Foto tirada na estação Canoas. Um muro vazado na frente e uma parada grande de ônibus com pessoas atrás.

Para Augé, porém, esse mesmo tensionamento trazido pela mobilidade transforma lugares em não-lugares, paradigma da supermodernidade, caracterizado pela superabundância factual, espacial e individualização das referências. Não-lugares são construídos com determinadas finalidades objetivas (como o comércio, transporte ou lazer); transitórios, supérfluos; criados e esvaziados do princípio de sentido para aqueles que o ocupam ou habitam. Quando assimilados pela sociedade moderna, não promovem relações sociais autênticas e genuínas, homogeneizando as experiências sociais e fazendo com que as forças e a significância própria dos lugares sejam desconsideradas. As sonoridades que temos contato diário expressam enquanto opressão e coerção também. As pessoas lidam de maneiras diferentes com essa agressividade sonora do dia-a-dia na cidade grande – as ilhas de sanidade (sônica) e, ao mesmo, no mar de violência corpórea, sônica e simbólica. Como Felipe Trotta traz no artigo Gosto musical, moral e incômodos:

Os deslocamentos populacionais nas cidades são marcados por sentimentos de solidão, tédio, irritação e desalento, ao mesmo tempo em que são atravessados por pequenos conflitos latentes, provocados pelo cansaço de corpos e mentes, pelo ritmo intenso do ir e vir do trabalho, pelas agressividades do trânsito e dos veículos e pelos tempos mortos da espera por ônibus, vans e trens (Trotta, 2023, p. 03)

Um sistema com estas características acaba se tornando um pequeno recorte dos tensionamentos e fenômenos políticos e sociais de nosso tempo. Henri Lefebvre, em O Direito à Cidade, categorizava o urbano como um “um horizonte de possibilidades, um objetivo do ser humano, que é, por sua vez, freado ou delimitado pelo urbanismo, entendido aqui como uma série de representações institucionais e ideológicas que norteiam as ações em direção ao urbano” (Lefebvre, 1968). O Trensurb, portanto, configura um ambiente que ao mesmo tempo possibilita a pluralidade, mas também a cerceia. 

Nos espaços do Trensurb, o próprio ato de circular é posto em tensionamento. O movimento dos passageiros é delimitado por catracas, portas, linhas, muros, cercas, configurando um espaço de controle que é povoado pela superposição de discursos dominantes e subversivos. 

Pedro Marra e Ana Beatriz Moreto do Vale discorrem sobre unidade sonora, um espaço de uníssono e balbúrdia – um uníssono que é substituído pela balbúrdia nos poucos segundos que o trem fica parado na estação, e vice-versa quando o trem começa a andar. Uma massa de pessoas num entra-sai, novos passageiros, vendedores, pedintes:

A balbúrdia é uma técnica sônica de transição entre uníssonos e por isso apresenta-se de forma muito instável e, por vezes, efêmera. Ela se caracteriza por um alto grau de abertura à disputa, e, se por um lado não apaga hierarquias entre agentes que a compõem, por outro abre brechas  para  que agentes menores e com menos poder sonoro – seja porque em menor número, seja pela menor capacidade de produzir grandes intensidades sonoras – se imponham e façam alastrar, entre um grande  número  de  pessoas, suas próprias sonoridades. (Marra, Vale, Op. cit, p. 335)

A balbúrdia é produção de diferença. O jogo de som unificado ou cacofônico no Trensurb não pode ser reduzido a dois polos completamente dominantes e que monopolizam a experiência. Existe um revezamento, quase uma dança, onde ora a máquina se impõe, ora o som é orgânico. Ora é monótono, ora é pontual.

EMBARCAR NOS GESTOS POLÍTICOS

Foto 06: Trem chegando em uma das estações.

O nosso percurso iniciou-se em uma Estação Mercado movimentada. Algumas das entradas para a parte subterrânea, onde ficam os guichês de passagens e o acesso às plataformas, estão fechadas – cicatrizes da enchente de maio de 2024, que paralisou o sistema completamente por várias semanas. Assim que pusemos os pés na plataforma, logo chegou o trem. 

A pressa era o espírito geral da massa de pessoas. Mesmo no subterrâneo, é possível ouvir o pesado veículo se aproximando da área de embarque. A vibração faz pressão sobre o concreto do túnel de acesso às plataformas e este ruído, por sua vez, pressiona os passageiros, como se dissesse “venha, estou te esperando”. Já neste início de viagem era possível presenciar alguns tensionamentos.

Onde nos sentávamos? Dentro dos vagões do trem mais novo, assentos com cor azul são preferenciais – para idosos, gestantes, PCD’s – estando os demais, em cor laranja, livres para todos. As placas avisam: na ausência de pessoas com preferência, está liberado o uso para todos. Claro, a ideia da regra é criar um espaço de convivência pacífico e permitir o quanto seja possível uma experiência isonômica de viagem a todos os passageiros. Entramos e sentamos ocupando um dos assentos regulares e dois preferenciais. 

O desconforto com o policiamento constante da placa foi sentido. Mas não percebemos outros usuários com preferência para que precisássemos ceder lugar. Além disso, o conforto vinha em perceber que outros assentos preferenciais, em outros pontos do vagão, também estavam ocupados por pessoas aparentemente tão regulares quanto nós três.

No acesso às plataformas, mais um desses pequenos incômodos. Precisávamos deixar um dos lados da escada-rolante livre para aqueles que desejarem percorrê-la caminhando? Apesar do horário movimentado, a densidade de pessoas não era o suficiente para ocupar totalmente os degraus móveis. Permanecemos parados no meio do equipamento, subindo conforme seu movimento. Ali não havia placas para indicar o “correto”. Que nem o som, esse parece ser também o modus operandi do Trensurb. As regras são feitas através do que não é dito.

Foto 07: Parte da estação Canoas. Na frente, temos uma placa de sinalização com a escrita “Nunca ultrapassar. Área Restrita”. No fundo, temos um espelho, um semáforo e outra placa, com o aviso de “Homens Trabalhando”. Um muro vazado de concreto e a paisagem da cidade com árvores e prédios ao fundo.

O trem se impõe sobre os passageiros. O veículo, as estações, os pantógrafos que distribuem a eletricidade que faz o comboio andar, se unem para formar uma entidade que nos domina enquanto passageiros. É um sistema tecnocrático que delimita as nossas possibilidades. Se, para Lefebvre, “o urbanismo transforma nosso espaço de vida em um habitat, uma máquina de viver” (LEFEBVRE, 1999 apud ABREU, 2018), o Trensurb transforma as cidades por ele ligadas em uma linha. O seu percurso é um grande traçado que vai se dobrando por entre bairros, vias, corpos d’água… O seu som é monótono e remete ao tinnitus, o zumbido chato e incessante no ouvido.

Ainda assim, é possível perceber essas pequenas “quebras” nos tratos não codificados. Nos trechos de trens lotados, passageiros se escoram nas portas, uma prática desencorajada oficialmente pela operadora do sistema em cartazes e adesivos, mas que, de forma geral, não apresenta maiores riscos ou disrupções na experiência daqueles à sua volta. A maior parte das estações tem desembarque por um mesmo lado do veículo, ajudando na disseminação da prática.

Nesses pequenos gestos, que não influenciam fortemente o fluxo unidirecional e impositivo das regras e infraestruturas estabelecidas, os passageiros configuram aquilo que Certeau chama de lendas (legendas). São as oportunidades de criar a própria narrativa numa realidade que as suprime. O autor indica que “pela possibilidade que oferecem de esconder ricos silêncios e desafiar histórias sem palavras (…) as legendas locais permitem saídas, meios de sair e de entrar e, portanto, espaços de habitabilidade”, e posteriormente que “a viagem substitui as legendas que abriam o espaço para o outro”. Mesmo no Trensurb, é possível ignorar o barulho. Seja por ouvir uma música, assistir a vídeos curtos de rede social ou televisão em streaming, a subjetividade individual do som se configura como resistência a obstinação tecnocrática do ruído e das regras. 

Foto 08: Estação Novo Hamburgo, final da linha do Trensurb, durante a noite.

É bom admitir que um dos colegas, ao final da viagem de volta, recusou-se a continuar o trabalho e colocou seus fones de ouvido, a fim de distrair-se da dor de cabeça que começava a incomodar. Do mesmo modo que Marra e Vale (2020) apontam, a balbúrdia “é uma transição entre uníssonos” e que ela “abre brechas para que agentes menores se imponham”, fazendo com que esses pequenos gestos sejam tentativas dos passageiros de fazerem valer a sua vontade sobre o barulho dos trilhos.

Não estamos falando de ações politizadas por si só, mas sim do espaço politizante que é o Trensurb, suas estações e consequentes mobilidades. Assim como Certeau declara, podemos fazer essas práticas microbianas. Ações singulares, plurais, ilegíveis, impossíveis de serem controladas. Lutar contra essa racionalidade imposta pela modernidade, seja pela transgressão ou driblando e reinventando o cotidiano.

Quem sabe seja essa a potência de escrever sobre um espaço do qual não sabemos muito sobre, no qual a rotina é coisa nova. Perceber a agitação da estação como fenômeno, deixar-se seduzir pelo mar de pessoas, pelas cacofonia de barulhos que se mesclam, espantar-se com a velocidade do trem. Entramos no Trensurb com o intuito de ocupar esse cotidiano, que costumamos frequentar de maneira passiva, e o deslocar para uma vivência atenta, atraída pelo charme do banal. 

Vídeo 01: Pequeno trecho de nossa viagem no Trensurb. 
Aparece uma parte da janela do trem, e o vídeo treme 
conforme o vagão passa pelos trilhos. Ao fundo, uma 
paisagem de cidade.

Referências Bibliográficas:

ABREU, Miriam Santini. Crítica da cobertura jornalística sobre a luta por moradia na perspectiva do urbanismo. Joinville, SC: Intercom 2018. Disponível em: https://www.portalintercom.org.br/anais/nacional2018/indiceautor.htm#M. Acesso em 15 nov. 2025.

AUGÉ, Marc. Não-lugares: Introdução a uma antropologia da supermodernidade. Campinas, SP: Papirus, 1994.  

CERTEAU, Michel de. A invenção do cotidiano: Artes de fazer. Petrópolis, RJ: Vozes, 1994.

FRASER, Marie. Do lugar ao não-lugar: da mobilidade à imobilidade. (2010). REVISTA POIÉSIS, 11(15), 229-241. https://doi.org/10.22409/poiesis.1115.229-241;

MARRA, P. S.; DO VALE, A. B. M. Uníssono e Balbúrdia: Sonoridades de protestos e manifestações políticas de rua no Brasil. Revista Eco-Pós;

SCHNEIDER, Luiz C. Lugar e não-lugar: espaços da complexidade. (2015). Ágora, 17(1), 65-74. https://doi.org/10.17058/agora.v17i1.5311;

TROTTA, Felipe da Costa. Gosto musical, moral e incômodos. MATRIZes, São Paulo, Brasil, v. 17, n. 2, p. 25–48, 2023. DOI: 10.11606/issn.1982-8160.v17i2p25-48.

Texto realizado como atividade final para a disciplina Seminário de Cultura e Comunicação, Ministrada pelo Prof. Marcelo Bergamin Conter e mestrando Gabriel Guedes Gil. Publicada na edição #2 da revista digital Z: Zonas Zumbidos e um Zilhão de Coisas. Faculdade de Biblioteconomia e Comunicação (Fabico), UFRGS, dezembro de 2025.

Entre o rebolado e a coreografia

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Z: Zonas Zumbidos e um Zzzzilhão de Coisas 

por Guilherme Vivan, Linda Schwarz, Luiza Weiler, Nicoly Ramão e Raquel Bruhn

O cenário musical nacional contemporâneo se expandiu muito além das músicas brasileiras e anglófonas, abrindo espaço para que sonoridades de diversos continentes circulem e criem novas comunidades de escuta. Nossa intenção inicial era observar esse fenômeno na festa de K-pop Black Cherry, mas, ao ampliar o olhar, percebemos que dinâmicas semelhantes acontecem também no funk, no reggaeton e em outras expressões musicais que ressoam territorialidades, afetos e disputas. Para Proto (2019):

A complexidade e discrepância sócio-cultural que se instaura no Brasil é  o que dita o caosmo destas polifonias territoriais, que organizam-se no  fluxo das linhas de escape, através da arte e da insurgência, em busca de estabelecer uma resistência política, cultural e emergencial. (PROTO, 2019. p. 122)

Dessa forma, decidimos analisar não apenas a festa de K-pop, mas também uma festa de reggaeton, a fim de compreender como se dá a relação de consumo e afeto dos fãs com esses gêneros musicais dentro do fenômeno da festa aqui em Porto Alegre. Queríamos compreender como o público interage com esses gêneros musicais estrangeiros, relativamente novos, e que tem feito bastante sucesso. Também tínhamos o desejo de observar a forma como a música se manifestava em cada um dos eventos: entender como o som, no lugar de instituição social, cultural e política, aproximava e distanciava cada um desses estilos e dessas comunidades.

Dia 24 de outubro, fomos em uma festa de música latina, a Caliente, edição Noche de Los Muertos, que aconteceu no bar Ocidente. A festa era dividida entre a pista “latina”, onde tocavam músicas majoritariamente em espanhol, enquanto a pista do segundo andar tocava música brasileira. E, no próximo dia, depois de não tanto sono, mas bastante café, fomos numa festa de K-pop, a Black Cherry. Também era uma edição de Halloween, desta vez na Workroom. 

Os locais das duas festas são bem diferentes. Fundado em 1980 no coração do Bom Fim, o bar Ocidente é uma das casas de festa mais antigas da cidade de Porto Alegre, com um público fiel frequentador do espaço. É tão tradicional que sequer precisa de um letreiro, se destacando apenas como um prédio amarelo na esquina da Osvaldo Aranha.

A fachada leva apenas um discreto símbolo gráfico do ocidente na grade da janela, o círculo preto com um ponto vermelho. Foto: Google Maps

Em contrapartida, o Workroom é um local de referência entre a comunidade alternativa de Porto Alegre. Bar de drag, o espaço é recheado de cores vibrantes por todos os lados, manifestos políticos que decoram as paredes e luzes multicoloridas que contribuem para criar uma ambientação intensa. Infelizmente, o bar estava se preparando para encerrar suas atividades só uma semana depois da Black Cherry de Halloween, no dia 1° de novembro. De acordo com a DJ da Black Cherry Ágatha Souza, “É um espaço que era muito necessário, principalmente para a comunidade drag. Foi meio inesperado, ainda mais nesse meio político atual de Porto Alegre. É um ponto de resistência a menos.”

Letreiro luminoso da Workrooom era um farol no meio da rua deserta e até na frente da boate enchia de gente, que saía para fumar e conversar. Foto: Guilherme Vivan

Apesar disso, Júlia Rocha, uma das organizadoras e também DJ da festa, destaca que a Black Cherry é uma festa itinerante, e deve continuar ocupando espaços de expressão alternativa na Capital e na região metropolitana. De acordo com ela, o desenvolvimento da festa acompanha as mudanças no mundo do K-pop há mais de uma década. “A Black Cherry existe desde 2011 e ela era lá em São Leopoldo na época. A gente alugava vanzinhas para fazer caravana pra ir juntos. Ela iniciou com uma festa de J-rock e K-pop, as duas coisas juntas, e depois evoluiu para uma festa só de K-pop”, conta ela.

O que a galera quer escutar 

Um dos melhores lugares para entender quem é o público de uma festa é na fila. Na Caliente, a primeira a chegar foi a Raquel, que pôde observar as pessoas chegando, bebendo, fumando, e entrando na casa. A idade do público chamava a atenção, a maioria com mais de 30 anos, mais velhos que a gente. Ainda do lado de fora, algumas pessoas um pouco mais jovens falavam em espanhol, as mesmas que horas depois dariam seus depoimentos em uma entrevista no fumódromo da festa.

Quanto à sexualidade, na Black Cherry, o público majoritariamente LGBTQIAP+ fortalecia o senso de comunidade. Na Caliente, a configuração heteronormativa era responsável pela criação de uma tensão entre os frequentadores dos dois gêneros. De acordo com Trotta (2023), todas as relações interpessoais, quando são permeadas pela música, abrem margem para a criação de incômodos e angústias:

Proponho aqui pensar o gosto musical no sentido inverso. Não apenas como um elemento que agrega sensibilidades convergentes ou divergentes (como os “haters”), mas como um contexto norteador de movimentos de rechaço a determinadas experiências musicais que funciona como potencializador de incômodos. (TROTTA, 2023, p. 26)

Nesse sentido, na festa no Ocidente, pudemos observar a manifestação desse incômodo na proximidade e frequência com a qual os homens abordam as mulheres, causando um ambiente por vezes desconfortável para as participantes do gênero feminino. Naquele ambiente, a música com letras e danças marcadas pela sensualidade parecia atuar como um potencializador para mais expressões do cunho do desejo.

Na Caliente, havia muitos casais em ambas as pistas, mas os da pista brasileira pareciam mais animados. Entre si, compartilhavam mais beijos, mais abraços, mais dança “agarradinha”. Christian, um colombiano de Bogotá que mora em Porto Alegre há oito meses, acredita que essa característica seja uma diferença cultural. “Em termos de festa, diria que o relacionamento com as pessoas é bem diferente aqui [no Brasil]”, conta, “Não quero ser explícito, mas aqui as questões interpessoais são de muito mais confiança do que como acontece em Bogotá. Esses relacionamentos não se dão em um primeiro encontro como acontece muitas vezes aqui no Brasil. Essa é uma grande diferença para mim”.

Festa Morta-Viva

Tô me preparando para festa latina e pensando na roupa. Será que vou com a camiseta de turista escrito Machu Picchu, alguma do brasil ou aquela que acabei de comprar da URSAL (União das Repúblicas Socialistas da América Latina). Não que eu tenha ido pro Peru ou conhecido a URSAL kkkkk, comprei todas no brechó mesmo. Decido ir com a da URSAL. Talvez alguém ache engraçado e queira falar com a gente. Chamo meu mototáxi e vou pro Ocidente sentindo o vento forte ao som de Tropicoqueta da Karol G no fone pra entrar no clima.

Chegamos lá, no Día de los Muertos do Ocidente. Uma sexta-feira à noite perfeita: clima ameno, ar propício e céu limpo. Aquele tipo de noite que parece feita pra coisas boas acontecerem. Em Porto Alegre, o Ocidente é quase um mito boêmio da cidade. Mas pra maioria de nós, era a primeira vez. 

Estávamos animados e, quando entramos mais ou menos às 23h30 esperávamos uma pista fervendo e encontramos meia dúzia de pessoas mais velhas, uns casais desanimados, uma galera perdidos. Será que chegamos cedo demais? A gente olhava uns pros outros com aquela cara de “é isso?”. Fazíamos anotações, não dançávamos. O corpo parado, o olhar analítico. E isso já era um sinal. Estávamos buscando por algo, sem ter nenhuma pista de energia, acontecimento ou frenesi. 

Resolvemos então fazer a maquiagem do dia de los muertos. Por que não? Era gratuito, chegar e fazer. Na fila, vemos algumas pessoas sentadas, que pareceriam ser do Chile ou Colômbia. Sentimos alguns olhares, especialmente de homens. Com um grupo majoritariamente de mulheres, estávamos nos sentindo desconfortáveis. Decidimos ver se a maquiagem nos animaria.

Maaaas, depois de um tempinho na fila o espaço começou a ficar um pouco mais recheado de gente e de dança e nos surpreendemos com o quanto deu pra aproveitar a pista de música latina. As músicas foram muito envolventes e o coração latino se rendeu. Os sons eram de tão longe geograficamente, e ao mesmo tempo tão perto culturalmente. Ficávamos procurando identificações.

Esse divo que esperava conosco na fila de maquiagem mais tarde iria distribuir uns shots de tequila direto da garrafa aompanhados de uma sacudida na cabeça de quem tomava. Foto: Linda Esperanza

Quando vimos que uma das integrantes do grupo chegou com uma blusa bem curta, falamos “¡Ui que latina!”. Cada peça de roupa, gesto e fala eram um sinal da nossa própria latinidade que nos orgulha. Mesmo assim, não foi uma festa tão boa. Sentimos que estávamos nos esforçando para curtir, trocamos de pista e de lugar constantemente, à procura de algo que não estava lá.

Fora do Brasil, ser latino é motivo de orgulho. Na Caliente, sentimos o que é ser latino no restante da América Latina. Dentro do Brasil, nem entendemos direito nossas diferenças, principalmente na palavra latino. Essa festa parecia mais nos diferenciar do que unir-nos. Os brasileiros para cá num andar, o resto para lá, noutro andar.

Parece que a festa não teve uma conexão identitária entre os participantes tão grande, como veríamos na Black Cherry, no dia seguinte. Faz sentido, afinal não era uma festa para um gênero, como reggaeton, era só uma festa “latina” – conceito bastante amplo. No público, não víamos uma riqueza de símbolos ou semelhanças indicando comunidade.

Na pista brasileira tocou bastante forró, e algumas coisas mais tradicionais, em vez de pop, funk e rap, gêneros brasileiros mais exportados para outros países. Era uma playlist com mais complexidade do que o estereótipo estrangeiro de música brasileira. Ao contrário da festa latina, que tocou apenas o reggaeton e salsa. Isso se confirmou a partir da nossa entrevista com César, um mexicano de 34 anos que mora há um pouco mais de um ano em Porto Alegre.

“Eu acho que o povo brasileiro acredita muito que o negócio da música hispana é muito reggaeton. Mas nem sempre. Tipo, reggaeton foi bem da Colômbia, do Caribe. Mas, no México, na real, a gente tem música muito diferente. Música que até certo ponto é muito mais parecida que sertanejo e forró, sabe? […] Então, é bem diferente, pelo menos aqui agora no ocidente, tá rolando um negócio de música latina hispânica ser reggaeton e salsa. Ok. Mas isso não envolve todos os países que falam espanhol, entendeu? […] Até certo ponto, eu consigo me identificar um pouco também com essa música, principalmente porque a letra é em espanhol.”

  • Foto: Linda Esperanza

 

Na festa de k-pop, qual o seu idol favorito? 

Antes mesmo da festa, já tínhamos expectativas positivas. Conversamos previamente com a Júlia Rocha e a Ágatha Souza, DJs envolvidas na Black Cherry. Ambas exalaram uma real paixão por música, por performance e por criar um espaço seguro e acolhedor para quem ama o K-pop. 

“Combinei de uma amiga minha de vir na minha casa para nos arrumarmos e irmos juntas para a festa. Tomei banho, me vesti e quando ela chegou fomos para o meu quarto. Mostrei para ela minha coleção de photocards. Começamos a nos maquiar enquanto conversávamos sobre o mundo do K-pop, sobre músicas novas, músicas velhas, fofocas de grupos e etc. Comentei com ela que eu passei algum tempo meio distante do K-pop e por isso estava escutando uma playlist com os lançamentos mais novos para me “inteirar” sobre o assunto. Ninguém quer parecer uma poser, certo? Conversamos tanto que saímos de casa às 23h30.”

Mesmo sem todos conhecermos muito sobre o K-pop, pudemos perceber como essa comunidade funciona como um grupo extremamente diverso e, ao mesmo tempo, unido. Nas entrevistas que fizemos durante a festa, chamou atenção a variedade demográfica do público, pessoas completamente diferentes convivendo num mesmo espaço sem estranheza, uma heterogeneidade que não é tão natural em outras festas e que costuma criar tensões.

Perguntamos sobre fantasias, músicas esperadas e percepções sobre a noite. As respostas mostraram uma expectativa forte típica da comunidade K-pop: animação, energia, coreografias e identificação estética. Percebemos o preparo dos fãs. Para eles, não era simplesmente uma balada, houve um planejamento prévio, gastando tempo preparando as fantasias e aprendendo coreografias. Entre o público leigo, percebemos curiosidade, um certo estranhamento positivo e admiração pela dedicação dos fãs.

O público vibrava em unidade, como uma onda que varria a pista de dança. Foto: Guilherme Vivan

Esse sentimento também foi compartilhado pelas organizadoras, que ainda ficam impressionadas com o engajamento dos frequentadores. “Para mim, o grande diferencial da Black Cherry é o público. O pessoal sempre fala que o nosso público dança muito, porque o K-pop tem essa coisa da coreografia, né? Ele é um estilo musical muito visual, na minha percepção. Porque não é um estilo que tu só escuta, o negócio é tu assistir enquanto tá escutando. Ele tem todo um negócio visual do conceito da roupa, da dança, de tudo”, comenta Júlia. “E a gente bota músicas que o pessoal sabe dançar, porque o negócio mesmo é que o pessoal vai pra festa pra dançar. Não é ‘vou ir pra pegar gente, pra ficar bêbado’, não. O pessoal vai dançar mesmo”. 

Uma festa de K-pop, que envolve uma performance muito mais coreografada, pensada e simbólica, contrastava com a Caliente que teve muito mais sensualidade, improviso, rebolado e interação. Na Black Cherry, tudo parecia ensaiado, mesmo quando não era. A animação surgia naturalmente, mas ao mesmo tempo havia um quê performático, algo que faz parte da cultura: dançar do jeito certo importa.

Esse objetivo, de participar e fazer danças coreografadas, expõe uma lógica na construção dos set radicalmente diferente entre as duas festas. Os DJs da Black Cherry precisam tocar músicas que sejam bastante conhecidas e amplamente consumidas pelo fandom a ponto de decorarem a coreografia. Na festa latina, o objetivo é muito mais de criar uma “vibe”. O público desconhecer a música tem um impacto menor porque não precisam ter preparado uma coreografia para serem afetados por ela do jeito desejado. As transições mais longas e intervenções dos DJs nas faixas também eram mais frequentes na Caliente do que na Black Cherry pelo mesmo motivo. Intervir demais nas músicas de K-pop podia atrapalhar a coreografia, algo que não era um problema na festa latina.

Quando subimos no palco para fotografar a DJ Ágatha, conseguimos ver a pista toda. Na frente, todos dançavam perfeitamente sincronizados. Sabiam cada passo, cada quebra e refrão. É assombroso ver algumas dezenas de pessoas se movimentando em sincronia sem qualquer ensaio conjunto prévio. Mais pra longe do palco a sincronia ia se diluindo em tentativas de acompanhar a coreografia.

A make verde da DJ (pintada de Elphaba de Wicked) derretia com o calor da casa cheia, mas ela seguia tocando com a energia contagiante e eventualmente se abanando com o leque. Às vezes uma ou duas pessoas subiam com ela no palco e dançavam coreografias perfeitas, mas não era algo invasivo, era natural e respeitoso.

A DJ Ágatha Souza ferveu e suou tanto que até retocamos a maquiagem verde na foto, que já tava derretendo. Foto: Guilherme Vivan

Isso também despertou reflexões sobre ambientação: enquanto muitas festas ocidentais (trocadilho intencional) seguem uma lógica mais hierárquica (seguranças rígidos, pouca interação, receio com câmeras), o clima da Workroom era completamente diferente, íntimo e participativo, quase familiar. Os seguranças se mostraram tranquilos e acostumados com a pista mais performática, fantasias, câmeras e gravações.

O público, então, amou as câmeras, algo que nem sempre acontece nas festas. Às vezes o ser registrado pode gerar incômodo. Na Black Cherry, ao contrário, muita gente pedia pra aparecer, queria registrar, queria mostrar sua fantasia. Fomos confundidos com fotógrafos oficiais e tiramos fotos de um monte de gente 

O público veio em sua maioria fantasiado e alguns traziam elementos da comunidade K-pop. Na calça de uma delas podemos ver um photocard, um pequeno cartão colecionável com a foto de um idol(artista de K-pop). Foto: Guilherme Vivan

E a pista realmente estava quente — MUITO quente. Quando fomos para o meio dela, a energia era ainda maior: mais apertado, mais calor, mais animação. Distribuíram pirulitos, todo mundo pegou, e isso virou outro símbolo da festa, pequenos elementos que fortalecem ainda mais o senso de comunidade.

“Em certos momentos eu senti vergonha de dançar, mas ao mesmo tempo me senti inspirada, então fui observando e replicando como dava. E tudo isso sendo mulher: algo que, em outras festas, sempre vem acompanhado de incômodos como olhares insistentes, cantadas ou falta de respeito. Aqui, ao contrário, me senti muito segura. As pessoas estavam focadas na música, na dança, nos grupos, e não em sexualizar corpos.”

  • Foto: Guilherme Vivan

Difícil caber a expressão musical de um país num set, né?

O som nas duas festas visitadas é o que transforma o local em território, o grupo em comunidade. E para nós, a maior diferença entre as festas foi justamente a relação do público com o gênero musical de outro país, fora do “mainstream”.

“Ao analisarmos estas manifestações artísticas e culturais, percebemos estar diante de processos performativos de ordem efêmera que, através de agentes sonoros expressivos capazes de produzir um território mutável, questionam o complexo arte-cultura legitimado institucional e socialmente.” (PROTO, 2019. p. 121)

Na festa latina, a música era um plano de fundo, era apenas o tema da festa, já na de K-pop, o gênero é algo celebrado, comemorado, compartilhado. Com isso, podemos pensar a festa latina como uma balbúrdia, pessoas conversando, flertando, bebendo enquanto uma música toca e poucos sabem a letra. Já na festa de K-pop, o que escutamos é o uníssono dos fãs cantando palavra por palavra, em inglês ou, mesmo, em coreano, e dos pés batendo chão de forma sincronizada enquanto a maioria dança.

Na Caliente, as músicas eram parecidas, bem animadas, com um ritmo rápido. Era impossível ficar parado, mesmo não conhecendo a música. Às vezes tinham remix de músicas com um toque de música eletrônica. O que faz sentido, considerando o ritmo e a velocidade das batidas do reggaeton. Enquanto isso, na pista das brasilidades estava tocando músicas de gêneros como o forró e mpb, com um ritmo mais embalado, mais romântico. Já na festa de K-pop, em meio às performances, existia uma troca de ritmos. O K-pop consegue misturar estilos diferentes em apenas uma música, com partes mais puxadas para o hip hop, outras partes mais pop e outras mais eletrônicas. A música é tão bem trabalhada e construída que essas mudanças podem nem ser percebidas por alguém de fora da comunidade. Na festa de K-pop também ouvimos remix, mas dessa vez era de K-pop com funk dos anos 2000, um momento muito esperado e especial tanto para os frequentadores como para a DJ. Quando o Brasil se conecta com a Coreia, quando dois gêneros se tornam um. 

Na Caliente também ouvimos funk. Isso chamou atenção porque foi um gênero musical brasileiro que apareceu nas duas festas com bastante destaque. E causou nos públicos de ambas um êxtase, acendendo uma explosão de rebolado pela pista e deixando a dança mais frenética ainda. É como se, para esses públicos, fosse uma necessidade dançar esse ritmo. Parece que o gênero é uma exigência para atingirmos um estado orgásmico de movimentos que buscamos quando vamos a uma balada, até dançar sem ter mais qualquer pensamento na cabeça.

No pós-festa, revisitando as fotos e lembrando da vibe, percebemos o quanto essa experiência foi marcante. A Black Cherry apresentou muitos de nós a uma cultura musical que não conhecíamos, mas que nos recebeu de braços abertos. A Caliente deveria ser uma orgia. E demorou, mas no final encontramos o frenesi que buscávamos. Mas existe maior orgia do que rever amigos antigos, conhecer novas pessoas, entrevistar pessoas com ideias, sentimentos e culturas diferentes, analisar festas, e se conectar com amigos da faculdade? Que tesão transformar uma festa flopada e uma festa desconhecida em um acontecimento marcante. E ainda dançar por entre linhas.

Lembra um verso da Marina Lima que ouvimos na primeira festa “A felicidade não está escondida nem no passado e nem no futuro”. Temos capacidade de criar momentos de alegria. Se fantasiando, comungando, aglomerando, dançando, cantando. Expressando nossos sentimentos e também pertencendo a uma identidade cultural ou a uma tribo, um fandom.

Entramos nas festas com o intuito de observar a relação do público brasileiro com dois  gêneros musicais não-anglófonos que foram submetidos a um processo de internacionalização nas últimas décadas. Saímos dos dois eventos, no entanto, com uma pilha de impressões e sensações que resultaram em uma análise bem mais complexa e íntima do que havíamos antecipado.

Apesar das diferenciações apontadas anteriormente sobre o ambiente e o público, há pontos de convergência entre as duas noites. As experiências vivenciadas na Caliente e na Black Cherry revelam um movimento singular sobre o envolvimento do público brasileiro com os gêneros escutados (reggaeton, salsa, K-pop): um fluxo de afastamentos e fricções que dialogam entre si e, eventualmente, produzem conflito.

Essa tensão e atrito que atravessam toda a cena se manifestam de maneiras distintas conforme as circunstâncias do ambiente e a subjetividade de cada um dos frequentadores. Ainda é possível, porém, apreender um senso de comunidade nos dois casos, que é construído sobre os princípios mais fundamentais de qualquer rolê – a música, a pista e as pessoas dançando. São essas características que permitem uma forma de “intervenção coletiva”, e que transformam a participação nas festas num ato de resistência por si só. De acordo com Fernandes:

“Podemos pensar como a ideia de contágio é negociada entre as pessoas: a transmissão, muito além do caráter físico, é um mecanismo social, que atua no controle do que é permitido, na manutenção dos tabus, diferenciando o que é sagrado do que é profano. O risco da contaminação é a desordem, o risco de uma ruptura do que está estabelecido. Mudança. Perigo.” (FERNANDES, 2025. p. 60)

Sob essa lógica, é possível perceber que, apesar das evidentes e marcantes diferenças entre os sons apresentados, a música cumpre um papel similar na Caliente e a Black Cherry: o do contágio. Na vivência de ambas as noites, passamos a entender o som e a sonoridade não como um elemento secundário que reside no plano de fundo das festas, mas como um mecanismo dominante que possibilita, em última instância, a criação de uma experiência comunitária e social do rolê, transmitida e propagada entre todos os envolvidos.

Acompanhamos de perto o esforço dos organizadores, a dedicação dos fãs, a diversidade da comunidade e como o Brasil responde ao K-pop e ao reggaeton: com intensidade, criatividade e uma pitada daquela energia brasileira que transforma qualquer evento em algo maior do que só uma festa. 

Acima de tudo, foi legal ver como esses ritmos não anglófonos produziram nos corpos dos participantes consequências distintas, que uma festa de rock, por exemplo, não conseguiria. Junto das letras e da identidade das festas, a Caliente instiga no público um sentimento de identificação regional intrínseco. Já na Black Cherry, motivava nos participantes um esforço ativo de pertencimento à tribo.

O grupo estava se divertindo na festa. Na bolsa da Raquel (esquerda), um photocard. Foto: Guilherme Vivan

Referências

TROTTA, Felipe da Costa. Gosto musical, moral e incômodos. MATRIZes, São Paulo, Brasil, v. 17, n. 2, p. 25–48, 2023. 

FERNANDES, Eduarda Heineck. Contágio: pista de dança e intervenção coletiva.   BERNARDO, Gabriel (org.). Marginália Metropolitana. Porto Alegre: Marginália Metropolitana, 2025.

PROTO, Camila. Territórios resistentes: arte, som e sociedade. In: CASTANHEIRA, J. C. S; et al. (Orgs.). Poderes do som: políticas, escutas e identidades. Florianópolis: Insular, 2019. p. 107-126.

 

Texto realizado como atividade final para a disciplina Seminário de Cultura e Comunicação, Ministrada pelo Prof. Marcelo Bergamin Conter e mestrando Gabriel Guedes Gil. Publicada na edição #2 da revista digital Z: Zonas Zumbidos e um Zilhão de Coisas.

Faculdade de Biblioteconomia e Comunicação (Fabico), UFRGS, dezembro de 2025.

Livro investiga sonoridades lo-fi desde a garagem até o mainstream

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Marcelo B. Conter lança LO-FI: Música pop em baixa definição próximo dia 28 na Casa Frasca

Na década de 80, um radialista nova-iorquino criou um programa chamado “Lo-fi”, que rodava apenas gravações caseiras e em fita cassete, método então corrente de divulgação de músicos independentes. “Lo-fi” aparecia ali como oposição a “hi-fi”, aqueles caríssimos aparelhos de som de alta fidelidade sonora. Enquanto a indústria fonográfica chegava ao ápice da nitidez sonora, um considerável grupo de artistas remava na direção contrária, com canções gravadas em meio a ruídos produzidos por equipamentos de segunda linha. Ao longo dos anos, o termo lo-fi continuou servindo para nomear gravações caseiras e amadoras. Mas será que ele não se aplicaria para outras manifestações sonoras na música pop? Trata-se da questão levantada no livro LO-FI: Música pop em baixa definição. Ao invés de definir ou buscar uma “essência” do lo-fi, o estudo de Marcelo Bergamin Conter segue os fluxos de criação da música pop para evidenciar as mais diversas sonoridades de baixa definição.

Direcionada não só a teóricos, mas à ampla gama de interessados em música pop e produção independente, a obra investiga como formas inauditas de música podem surgir de relações insólitas que artistas e produtores de áudio estabelecem com as tecnologias fonográficas. Conter percebe os resultados desse encontro da composição com os aparelhos técnicos em diversas bandas e artistas, tanto do underground quanto do mainstream.

LO-FI: Música pop em baixa definição poderá ser adquirido por R$40,00 na festa de lançamento Bailão lo-fi, que ocorre sexta-feira, 28 de outubro, na Casa Frasca. Além da presença de Conter e dos seus livros à venda, a festa contará com discotecagem temática e shows da Supervão e da Musical Amizade, que celebra seus 10 anos de existência com uma performance única e imperdível.

Bailão lo-fi (lançamento do livro LO-FI: Música pop em baixa definição)

Supervão + Musical Amizade + Discotecagem temática
Onde: Casa Frasca – Av. Independência, 426, Porto Alegre
Quando: 28/10

Quanto:
21h-22h: R$ 5
22h em diante: R$ 15

Confirmando no evento no Facebook: R$10 até a meia-noite
https://www.facebook.com/events/1170746836302654/

Livro à venda (versão impressa e digital) no site da Editora Appris:
http://www.editoraappris.com.br/produto/lo-fi-musica-pop-em-baixa-definicao

Confira o book trailer: https://www.youtube.com/watch?v=DXZVryB8XJE

festa lo-fi TheMixtapeCollective (1).png

Clipe novo do The Gentrificators! THE NAME-DROP TURN

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Deu um trabalhão fazer esse videoclipe, mas acho que ficou tri massa. Vale a pena ler, ver e ouvir, vale a pena se engajar nessa causa semiótica.

Às vezes a preguiça de não sair para enfrentar a opressão gentrificadora da urbe é maior, e aí nos sobra produzir agenciamentos coletivos de enunciação de dentro de nossos quartos. QUE SEJA ASSIM, mas que cause alguma diferença na nossa relação estética para com essa Porto Alegre que fecha as portas para a arte de rua, para as miçangas, que quer cercar a Redenção e simular o modelo foucaultiano de prisão ao contrário (voltado para os civis, para as ~pessoas de bem~). ESSE VÍDEO É O PANÓPTICO, VOCÊ NUNCA SABE QUANDO ELE ESTÁ OLHANDO UM VÍDEO QUE VOCÊ MESMO POSTOU NO YOUTUBE, OLHA ALI O REFLEXO DA CIBERSHOT APARECENDO NA TELA!

PÕE NA TELA, PÕE ESSES VAGABUNDOS NA TELA!!!!

Essa é a música que vocês aplaudem? Uma música que vocês não teriam coragem de aplaudir no ano passado? Vocês não estão entendendo nada!

Sonatas e interlúdios de John Cage em POA!

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Eis uma rara oportunidade de conhecer o trabalho de John Cage ao vivo. A dificuldade em executar suas peças reside no fato de que ele usava um piano preparado: inseria parafusos, pregos e outros tipos de coisas perto das cordas do piano, o que nem sempre é fácil de se arranjar. Ele fazia isso para que soassem de uma maneira diferente do habitual, abrindo nossa percepção para o “sons que os sons fazem”, ao invés de ficarmos presos à ouvir sons mas pensando em notas musicais.

Eis um teaser:

[youtube=http://www.youtube.com/watch?v=VYsx5Di3bso]

E o serviço:

Cat Power e os ruídos de Porto Alegre

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Minha excelente visão do show. NOT

Fui no show da Cat Power no Opinião, em 20 de maio.

Logo que adentrei o bar, Cat Power iniciava “Don’t Explain”, num volume drasticamente baixo. O público vencia, nos resmungos (nem gritavam para conversar) o som produzido pela banda. Isso pra mim foi algo bem estranho de ver acontecer.

Fiquei me perguntando se o show não devia ter sido na OSPA, no SESI, ou qualquer outro lugar em que se pudesse ouvir com mais atenção. Afinal muita coisa se perde em um ambiente cuja acústica colabora mais para rock barulhento. Mas ao longo do show os ruídos da plateia diminuíram, e eu não saberia dizer se foi só porque a banda aumentou o volume, ou a galera na pista resolveu prestar mais atenção.

E aí que eu, demasiado humano, me indagava: mas isto é um show de rock ou não? Bem, acho que estávamos entre as duas possibilidades. Cat Power tem lá suas influências de blues, jazz, mas também de Velvet Underground. Não haveria um lugar ideal para acontecer seu show, portanto.

Teve um momento muito estranho durante o show: alguém lá em baixo, na pista, mandou um “shhhh”! Sério, quem pede silêncio durante um show no Opinião? O que estava acontecendo ali?

O que é uma pena, porque muito da sua voz se perdeu na acústica do Opinião, engordurando os sussurros. De onde eu estava, não dava pra entender o que ela estava cantando, em boa parte do show.

A banda estava impecável, e Chan também, além de tratar muito bem o público. Foi ótimo sair de lá sem estar com os ouvidos apitando!

Bem, se você, que esteve lá, quiser opinar, sobre o ambiente, sinta-se à vontade. É uma boa discussão: qual seria o ambiente mais apropriado para um show da Cat Power em Porto Alegre?